Unidivers

Bien qu’en phase terminale d’un cancer, la jeune et jolie Annabel Cotton est animée d’un amour profond de la vie et de la nature. De son côté, Enoch Brae a cessé d’avoir envie de faire partie du monde depuis que ses parents sont tragiquement morts dans un accident. Lorsque ces deux êtres à part se rencontrent à un enterrement, ils se découvrent d’étonnants points communs. Pour Enoch, dont le meilleur ami se trouve être le fantôme d’un pilote de guerre kamikaze, et Annabel, qui voue une fascination à Charles Darwin et à la vie de toute créature, c’est le début d’une relation exceptionnelle. En apprenant la mort imminente d’Annabel, Enoch propose de l’aider à vivre ses derniers jours avec intensité, au point de défier le destin, les traditions et la mort elle-même.

Une love story qui se montre sous un air vivant, langoureux, et éclairé. Surtout elle nous saisit au plus profond du cœur. Ces adolescents happés par la mort sont bouleversants.
L’œuvre est belle. Éprouvante aussi, avec cette sensation augmentée par l’offrande au public d’une belle tentative de prise de risques. Gus Van Sant a osé : il a tenté de tutoyer le sublime et l’a parfois même touché, caressé. Le plus magistral étant le cadre simple réduit à son expression la plus radicale, à l’expression la plus organique. Quand l’imperfection se transforme pour offrir finalement cette fragilité qui donne toujours le meilleur. L’amour se fait fulgurant, l’amour se fait contagieux, l’amour se fait bienheureux.
L’aspect réflexif de ce film n’étant pas en reste avec cette fascination pour le sens. La dimension spirituelle est convaincante : on s’enivre d’une fulgurance rarement observée. Ce film est une flèche en plein cœur qui n’est pas prêt de rater sa cible : celle de nous émouvoir.
Un film à l’équilibre parfait qui va envouter son public et le draper dans un voile d’une matière totalement merveilleuse. Un hommage à la vie, à sa beauté et, surtout, au cycle de vie. On vote pour. On conseille. Et on en redemande.
Un petit bijou. A qui il ne manque qu’un soupçon d’évasion pour culminer en chef d’œuvre.

Date de sortie cinéma : 21 septembre 2011
Réalisé par Gus Van Sant
Avec Henry Hopper, Mia Wasikowska , Ryo Kase, plus
Durée : 01h35min Année de production : 2011

Hier avait lieu à Paris l’avant-première française Tintin de Spielberg. Les critiques en sont sorties largement conquises. La conjugaison d’un personnage qui a 80 ans et d’une technique qui en a 10 est réussie. Spielberg offre-t-il un nouveau départ à un Tintin éternellement jeune ? Sans doute. Mais à un Tintin un peu moins asexué que dans la BD et quelque peu moins vivant.

Parce qu’il achète la maquette d’un bateau appelé la Licorne, Tintin, un jeune reporter, se retrouve entraîné dans une fantastique aventure à la recherche d’un fabuleux secret. En enquêtant sur une énigme vieille de plusieurs siècles, il contrarie les plans d’Ivan Ivanovitch Sakharine, un homme diabolique convaincu que Tintin a volé un trésor en rapport avec un pirate nommé Rackham le Rouge. Avec l’aide de Milou, son fidèle petit chien blanc, du capitaine Haddock,un vieux loup de mer au mauvais caractère, et de deux policiers maladroits, Dupond et Dupont, Tintin va parcourir la moitié de la planète, et essayer de se montrer plus malin et plus rapide que ses ennemis, tous lancés dans cette course au trésor à la recherche d’une épave engloutie qui semble receler la clé d’une immense fortune… et une redoutable malédiction. De la haute mer aux sables des déserts d’Afrique, Tintin et ses amis vont affronter mille obstacles, risquer leur vie, et prouver que quand on est prêt à prendre tous les risques, rien ne peut vous arrêter…

Le Tintin de Spielberg est une conjugaison habile du Secret de la Licorne, du Trésor de Rackham le Rouge et du crabe aux pinces d’or. Ajoutez un clin d’oeil à Indiana Jones : une étourdissant poursuite en side-car dans les dédales d’une casbah marocaine – on est pas loin d’une parfaite réussite.

Toutefois, certains trouverons que la technique numérique de la « motion capture » se prête mal à la ligne claire et vibrante d’Hergé. En fait, autant cette technique peine à rendre le souffle d’aventure qui pénètre le trait d’Hergé autant, a contrario, elle lui confère une autre sorte de force vitale. C’est le cas de tous les personnages, y compris Milou, à une seule exception. Une exception notable : Tintin nous a paru moins bien ‘incarné’. Sans doute va-t-on assister sur ce point à un léger clivage des générations. Par ailleurs, certains regretteront l’absence du professeur Tournesol.

Reste que intelligence de l’action, curiosité, enthousiasme, humour et suspense sont au rendez-vous et tiennent le spectateur en haleine. Le tout servi par une créativité, un talent d’adaptation et une fluidité remarquables. À noter : le film évite l’écueil du traitement hollywoodien. Le politiquement correct américain en est quasiment absent. Ou, peut-être, se logent-ils dans des plis discrets…

Étant donné le soutien que Spielberg apportait depuis quelque temps à des productions qui, dans l’ensemble, laissaient quelque peu à désirer, on ne peut que se réjouir de ce retour avec brio, pardon, avec… Tintin.

Durée du film : 1h50
 Réalisateur : Steven Spielberg
 Scénariste : Steven Moffat, Joe Cornish et Edgar Wright d’après l’oeuvre de Hergé
 Acteurs : Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Nick Frost, Simon Pegg, Toby Jones et Gad Elmaleh 

Lundi matin, Paul Wertret se rend à son travail, à la banque où il est chargé d’affaires. Il arrive, comme à son habitude, à huit heures précises, sort un revolver et abat deux de ses supérieurs. Puis il s’enferme dans son bureau. Dans l’attente des forces de l’ordre, cet homme, jusque là sans histoire, revoit des pans de sa vie et les évènements qui l’on conduit à commettre son acte…

 Un film au résultat mitigé, même si on lui reconnaitra un certain nombre de qualités, voire même très grandes pour certaines. La première s’impose d’elle-même à l’évidence :  la performance totalement physique de ce grand talent qu’est Jean-Pierre Darroussin. La rage qui l’anime se transmet jusque dans la salle. L’autre point fort de l’œuvre est la façon dont se déroule le récit. Tout en simplicité et force tenace. Le dernier point fort est double. D’une part, ce sujet colle parfaitement à l’actualité du moment ; d’une seconde part, aucune leçon moralisatrice n’est donnée et surtout aucune solution n’est proposée. Comme pour se concentrer sur l’objet essentiel du film : cette rage démontrée. La mise en scène quasi parfaite n’étant pas étranger à ce morceau du succès. Le rythme est aussi de très bonne facture surtout qu’il se combine à une subtilité délicate.

Mais comme il est rare qu’une chose soit parfaite, cette œuvre ne l’est pas. On lui reprochera un ton trop mécanique qui fait s’envoler quelques morceaux d’émotions nécessaires. On lui reprochera aussi sa fin. Une fin trop étrange bien qu’assez crédible dans son fond comme  dans sa forme. Un petit manque de finition nous empêche de faire un triomphe à cette œuvre qui s’avère tout de même une réussite plutôt solide.

On vote pour surtout dans le contexte actuel.

Date de sortie cinéma : 5 octobre 2011 

Réalisé par Jean-Marc Moutout 
avec Jean-Pierre Darroussin, Valérie Dréville, Xavier Beauvois

 Trente ans se sont écoulés depuis que Marianne et Johan, le couple de Scènes de la vie conjugale se sont perdus de vue. Sentant confusément qu’il a besoin d’elle, celle-ci décide de rendre visite au vieil homme dans la maison de campagne où il vit reclus. Entre eux, la complicité et l’affection sont réelles, malgré toutes ces années passées sans se voir. Marianne fait la connaissance du fils de Johan, Henrik, et de la fille de ce dernier, Karin, qui habitent dans les environs. Tous deux pleurent encore Anna, l’épouse d’Henrik disparue…

Que dire d’un film d’Ingmar Bergman alors que toute sa filmographie est un chef d’œuvre. Saraband est un film spécial, car dédié à sa dernière compagne, son esprit est donc particulier.

Mais en dehors de cette jolie dédicace, il reste une œuvre, sublime, extravagante : plus le film passe plus la sensation nous fait grimper  vers un firmament de sensations inconnues. Une expérience puissante, orgasmique et jouissive. Si puissante que l’on ne voudrait jamais que cela cesse.

Le tout étant entouré d’une simplicité radicale. Tout s’affiche, tout se comprend, tout est sublimé alors que c’est de grand envergure et de grande profondeur. La vision de ces deux corps enlacés est une sublimation pour nos petits esprits. La gravité de l’ensemble accentuant encore plus le plaisir ressenti.

La mise en scène est digne d’un dessin de Michel-Ange : tout est précis, épuré, gracieux.

Un film qui prend, retourne et jette comme pour mieux faire ressentir l’extrémité du bonheur. Et le tout avec une pudeur absolue.

Les acteurs sont fabuleux, par leurs contenants et leurs contenus.

Un film lumineux, extatique et qui ne mérite pas d’autre nom que celui de chef d’œuvre, il faut y aller. Vite une séance !

Jamais le cinéma n’aura été aussi simple et beau à la fois. Une des rares œuvres absolues du cinéma probablement.

Flamand, belge, canadien, de Hans Van Nuffel, avec Stef Aerts, Wouter Hen- drickx, Marie Vinck, Anémone Valcke, Rik Verheye, Maarten Mertens. Une quinzaine de prix notables, dont le Grand Prix des Amériques et le Prix du Jury Œcuménique.

Rares sont les films comme Lorenzo de George Miller qui arrivent à narre d’une manière attachante une maladie rare, en l’occurrence l’adrénoleucodystrophie. Ils sont souvent ou trop techniques, ennuyeux ou pathétiques. Ce n’est pas le cas d’Oxygène, premier long métrage de Hans Van Nuffel, jeune réalisateur flamand de 30 ans. A travers la maladie de la fibrose kystique (dont le réalisateur est atteint, les protagonistes, dont Tom, un jeune homme rebelle), c’est le désir même de vivre qui est filmé ! La vie et la survie sont filmées dans une mise en scène privilégiant les espaces clos (l’hôpital devant quasiment un parti-prenant) et un déroulé qui n’oublie pas la place de l’humour. C’est réussi malgré le recours à certains poncifs dans le traitement psychologique et narratif des personnages.

De Nicolas Winding Refn (Etats-Unis), avec : Ryan Gosling, Bryan Cranston, Carey Mulligan, Ron Perlman – 1h38. Un jeune homme solitaire, « The Driver », conduit le jour à Hollywood pour le cinéma en tant que cascadeur et la nuit pour des truands. Ultra professionnel et peu bavard, il a son propre code de conduite. Jamais il n’a pris part aux crimes de ses employeurs autrement qu’en conduisant – et au volant, il est le meilleur ! Shannon, le manager qui lui décroche tous ses contrats, propose à Bernie Rose, un malfrat notoire, d’investir dans un véhicule pour que son poulain puisse affronter les circuits de stock-car professionnels. Celui-ci accepte mais impose son associé, Nino, dans le projet. C’est alors que la route du pilote croise celle d’Irène et de son jeune fils. Pour la première fois de sa vie, il n’est plus seul. Lorsque le mari d’Irène sort de prison et se retrouve enrôlé de force dans un braquage pour s’acquitter d’une dette, il décide pourtant de lui venir en aide. L’expédition tourne mal… Doublé par ses commanditaires, et obsédé par les risques qui pèsent sur Irène, il n’a dès lors pas d’autre alternative que de les traquer un à un…  Voilà deux avis divergents sur le film : Nicolas et Ice.

Nous avions beaucoup apprécié la trilogie de Pusher du réalisateur danois Nicolas Winding Refn : une étonnante plongée réaliste et crue  dans les bas-fonds de Copenhague et de ses gangsters locaux ou en provenance des Balkans (âme sensible s’abstenir ; notamment, la scène de découpe dans le troisième volet est rude). Valhalla rising nous avait laissé un peu circonspect, une conjugaison de Terence Malick et Werner Herzog peu convaincante. Mais là, oui ça marche. Imaginez une fusion réussie des univers de Reservoir dogs, Dexter et In the Mood for love – voilà le champ stylistique de Drive. Certes, il y a quelques longueurs, mais la relation sentimentale des héros et héroïne se déploie avec subtilité et, surtout, un souffle réaliste (d’une profonde violence sociale et psychologique) anime ce polar américain. Paradoxalement, ce réalisme souffle d’une telle manière que l’aspect fictif s’en retrouve renforcé – le spectateur se retrouve ainsi dans une dimension intermédiaire qui couple réalité et fiction. Cette dimension nous laisse croire que Drive va rapidement devenir un classique du polar américain de cette dernière décennie. A ne pas manquer. Pas avant 16 ans.

Nicolas Roberti

Selon beaucoup de cinéphiles, ce fut un des films phare de la fin 2011. Mais parfois il faut savoir raison garder et prendre le temps de comprendre l’engouement et de penser tant à la forme qu’au fond.

Sur le fond, il s’agit d’un film de genre, c’est à dire un film de braquage avec des voitures. Oh, je vous vois venir, vous trouvez cela réducteur de mettre Drive dans la même catgorie que 60s Chrono ou le premier Fast and Furious ou encore Le Transporteur, pour ne citer que les plus récents. On pourait élargir à Bullit ou à L’or se barre (The Italian Job) repris plus tard dans Braquage à l’italienne mais est-ce forcément mieux ? Car l’un des problèmes de ce film est son sujet plutôt basique : Un mystérieux conducteur spécialiste des braquages qui pour l’amour d’une femme va aider le mari de celle-ci à rembourser une dette de prison et … Aucune surprise : cela tourne mal et sent le coup monté.

L’autre problématique du film est de savoir ce que l’on vient chercher au cinéma. Certains diront simplement de la distraction, d’autres du rêve et d’autres de l’émotion…. et j’en passe. De ce point de vue là, Drive ne remplit pas toutes ces fonctions. Pour la distraction, il est plutôt lent, sur un faux rythme, pour mieux mettre en valeur la poursuite de voiture. Celui qui attend ce moment s’endormira (véridique, il y en a ….) car le film ne suit pas la forme des films de voitures modernes déjà cités. Pour le rêve, on ne peut pas dire que Ryan Gossling fasse rêver beaucoup de monde (si si, je vous assure, j’ai interrogé des spécialistes féminines ) avec son air de anti-héros, même s’il joue très bien l’impassibilité et le mystère. Pour l’émotion, on ne peut pas dire que ce soit le but du film et c’est plus dans la violence que l’on ressent l’émotion avec même un sentiment de malaise lorsque le héros frappe et menace une  jeune femme coupable de trahison.

Le film aurait pu rester une simple série B si le réalisateur n’avait pas soigné la forme (pour le coup, il mérite son prix de la mise en scène à Cannes). Il la soigne tout d’abord par la photo, pas trop saturée ni retouchée tout en mettant en valeur le visage des acteurs. Il soigne également la musique qui n’est pas sans rappeler l’ambiance de la série Miami Vice, chère aux années 80 de Michael Mann. Mélant pop et electro, elle donne une atmosphère branchée mais beaucoup moins clipesque que son modèle du fait du rythme plus lent. Car le secret du film est dans ce rythme. La recette est parfaite pour retranscrire la tension de l’attente pendant le braquage. La rupture de rythme après le braquage est une bonne trouvaille également. Mais le problème vient aussi de ce que le spectateur a le temps de réfléchir à l’intrigue et donc voit arriver bien à l’avance le coup fourré. N’attendez donc aucun suspens de ce film au scénario simpliste.

Si le héros intrigue, on ne sait rien de son passé, de ses failles mais on devine qu’il y a quelque chose. Le film n’apportera rien sur le sujet et la fin du film en rajouterait même. Au final, on ne peut nier que le film est un ovni dans sa catégorie. Mais pour celui qui recherche plus le fond que la forme, il reste décevant. Par ce manque d’émotion, cette froideur et cette lenteur il se fait une place à part, à rapprocher parfois du cinéma hongkongais lorsqu’il ne sombre pas dans l’hyperviolence. Du déjà vu dirions nous mais c’est très rare dans le cinéma américain. Pas sur donc que l’histoire du cinéma en retienne grand chose dans 20 ou 30 ans (un peu comme Bullit qui reste célèbre pour sa poursuite) contrairement à d’autres petits chefs d’oeuvres du cinéma de genre.

Ice

Vous connaissez Godard, Chabrol, Rohmer… Mais Moullet ? Originaire des Alpes du Sud, Luc Moullet, avec son sérieux imperturbable et son humour décalé, étudie les causes et les conséquences de ces phénomènes psychiques locaux sous forme d’investigation sensationnaliste. La terre de la folie : « L’arrière-petit-neveu du bisaïeul de ma trisaïeule avait tué un jour à coups de pioche le maire du village, sa femme et le garde champêtre, coupable d’avoir déplacé sa chèvre de dix mètres. Ça me fournissait un bon point de départ… Il y a eu d’autres manifestations du même ordre dans la famille. »

Si j’aime mon Boulevard Saint-Germain, ce n’est pas que pour le Relais de l’entrecôte, le Flore et l’Ecume des pages, s’il n’y avait pas ces cinémas pleins de magie, la saveur du coin n’en serait pas si exquise. Et la magie dans le coin, à part être aveugle, sourd et sans odorat, impossible de la rater.

C’est à l’espace Saint-Michel sur la place du même nom qu’il m’a été donné de rencontrer une merveille, que dis-je, un tour de magie, un moment exquis, une sorte d’expérience tantrique entre un homme et un objet. Le coupable de cette orgie des sens : Luc Moullet, frère spirituel de Godard, de Rohmer, de Chabrol et de toute la fine équipe des cahiers de la bonne époque. Et c’est probablement cette fréquentation qui fait de La terre de la folie une création divine. Ces histoires criminelles saisies dans la région de Moullet, sont autant effroyables que pleines de vie.

Du sensationnel avec des morceaux de la vraie vie, entre folie, réalité et délire hypocondriaque. Une folie douce, très certainement, mais en rien repoussante  – bien au contraire. Et pourtant le sujet n’était pas facile, un peu dur même, un peu coupable, effrayant même. Dans la plus pure tradition surréaliste et du côté des meilleurs.

Et comme d’habitude, tout est dans la simplicité, dans la pédagogie abordable, dans la douceur. Encore une façon de montrer que le génie est simplicité ne font qu’un et que ce statut est non négociable.

Intelligent, drôle avec à la manette un génie au genre unique, impossible donc de passer à côté sous peine de regrets éternels. Et qu’on ne me dise pas que c’est le bordel. Oui, peut-être un peu. Mais réalisé avec ce talent-là, où est le problème ? Et quelle scène finale, un pur moment de folie qui est tout autant un bonheur de jouissance divin.

Depardon n’est pas seul, même si son frère est totalement barré. Cela fait son charme et nous embarque pour un étonnant voyage.