Saint-Nazaire. Nefeli Papadimouli cultive un jardin des communs au Grand Café et au Radôme

Du 13 juin au 4 octobre 2026 au Grand Café, puis du 23 septembre au 18 octobre au Radôme, sur le toit de la base sous-marine de Saint-Nazaire, l’artiste grecque Nefeli Papadimouli présente Garden of Commons, une exposition double, textile, chorégraphique et politique. Architecte de formation, elle y pense l’espace commun non comme un décor, mais comme une matière vivante, traversée par les corps, les usages, les désirs et les résistances. Une performance collective, Blowing the Whistle, reliera les deux lieux samedi 3 octobre 2026.

Il y a des expositions qui installent des œuvres dans un espace. Et puis il y a celles qui déplacent la notion même d’espace, qui la rendent instable, poreuse, négociable. Garden of Commons, le projet que Nefeli Papadimouli déploie à Saint-Nazaire, appartient à cette seconde famille. Rien, ici, ne se réduit à la contemplation d’objets finis. Les formes attendent d’être touchées, déplacées, portées, activées. Elles ne s’imposent pas comme des monuments, mais comme des propositions. Elles demandent aux corps d’entrer dans le jeu.

Née en 1988, formée à l’architecture à Athènes, puis aux arts visuels à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris et au Fresnoy, Nefeli Papadimouli a construit une œuvre au croisement de la sculpture, de la performance, du dessin, du textile, de la photographie et de l’installation. Son vocabulaire est immédiatement reconnaissable. Des costumes, des membranes, des façades souples, des objets praticables, des partitions graphiques, des peaux collectives. Mais derrière cette apparente douceur textile se tient une pensée politique précise. Comment habiter ensemble ? Comment inventer des formes qui ne séparent pas trop vite l’individu du groupe, le corps de l’architecture, l’usage de la beauté, la sculpture de l’action ?

Un art de l’espace partagé

Le titre Garden of Commons dit beaucoup. Le « jardin » n’est pas ici un motif décoratif, encore moins un refuge bucolique. Il renvoie à la présence, toute proche, du Jardin du Tiers-paysage de Gilles Clément, installé depuis 2009 sur le toit de la base sous-marine. À Saint-Nazaire, ce jardin a valeur de paradoxe. Sur une architecture militaire massive, héritée de la guerre, Gilles Clément a fait surgir un espace de migration végétale, d’accueil des espèces apportées par le vent, les oiseaux, les courants, les semelles. Un lieu où le vivant reprend possession du béton sans le nier, où le désordre devient condition de diversité.

Nefeli Papadimouli ne reprend pas ce modèle comme une citation. Elle en prolonge l’intuition au plan corporel et social. Le jardin en mouvement devient chez elle un jardin des gestes. Le Tiers-paysage devient une théorie sensible de l’écart, de l’intervalle, de la relation. Ses œuvres ne cherchent pas à organiser autoritairement les corps. Elles les invitent à éprouver la distance juste, l’attachement provisoire, la coopération, la maladresse parfois, l’imprévisible surtout. Elles font de l’espace commun une réalité fragile, non donnée, toujours à fabriquer.

C’est là que l’exposition trouve sa force. Le commun n’y est pas un slogan. Il n’est pas une abstraction généreuse posée sur des formes molles. Il devient méthode plastique. Il se coud, s’attache, se noue, se défait, se porte, se transmet. Le textile n’est pas seulement matériau. Il est pensée. Il permet d’opposer à la rigidité de l’urbanisme, des institutions et des frontières une architecture élastique, mobile, ajustable. Une architecture qui ne domine pas le corps, mais apprend de lui.

Façades souples, villes mobiles

Au rez-de-chaussée du Grand Café, l’artiste présente notamment une série inédite d’œuvres proches de façades de bâtiments, réalisées en tissus matelassés. Ces architectures textiles évoquent des murs, des abris, des peaux urbaines. Certaines sont dressées, d’autres fatiguées, enroulées, partiellement visibles. Toutes semblent entre deux états. Elles ne sont ni ruines ni constructions. Elles appartiennent à un moment intermédiaire, celui où la ville cesse d’être un plan figé pour redevenir un champ d’expériences.

Cette « architecture élastique » prend une résonance particulière dans le contexte de Saint-Nazaire. Ville portuaire, ouvrière, reconstruite, traversée par les mémoires industrielles, les utopies collectives et les luttes sociales, Saint-Nazaire n’est pas un simple arrière-plan. Elle offre à l’exposition une profondeur politique. Les façades de Nefeli Papadimouli ne décrivent pas la ville. Elles en rejouent la plasticité conflictuelle. Elles rappellent qu’une cité n’est pas seulement faite de bâtiments, mais de passages, de frictions, de résistances, de fatigues, de rêves communs et de chemins inventés par celles et ceux qui l’arpentent.

Face à ces formes textiles, des maquettes miroitantes d’habitations génériques introduisent un contraste plus froid. Elles évoquent l’habitat standardisé, la projection immobilière, le reflet séduisant mais impersonnel de l’espace domestique. Entre la maquette brillante et la façade cousue, entre l’objet projectif et l’objet praticable, se lit une tension majeure de l’exposition. D’un côté, la ville comme modèle, image, programme. De l’autre, la ville comme usage, frottement, corps-à-corps.

Les lignes de désir contre les chemins imposés

Dans la grande salle, l’installation Lignes de désir constitue l’un des cœurs conceptuels de l’exposition. L’expression désigne ces chemins tracés spontanément par les piétons, les cyclistes ou les animaux lorsqu’ils refusent, sans manifeste, les trajets officiels. Une pelouse traversée en diagonale, un raccourci répété, une sente née de l’usage. La ligne de désir est une écriture du corps dans l’espace. Elle est la preuve modeste mais persistante que les usages corrigent les plans.

Nefeli Papadimouli transpose cette idée dans une vaste œuvre textile. Une grande toile descend du plafond, comme un panorama souple, arrimé à une barre métallique courbée. Sur ce support, l’artiste associe peinture abstraite, couleurs soutenues et pièces de patrons de couture. Ces fragments, munis d’œillets et de liens, peuvent être manipulés, détachés, assemblés entre eux, portés sur son propre corps ou sur celui d’un autre. Le visiteur n’est plus placé devant l’œuvre. Il entre dans son économie. Il en devient l’un des opérateurs possibles.

Cette dimension participative pourrait aisément sombrer dans une convivialité un peu convenue. Ce n’est pas le cas. Chez Nefeli Papadimouli, la participation n’a rien d’un supplément ludique destiné à « animer » l’exposition. Elle touche au cœur de la forme. L’œuvre n’existe pleinement que lorsqu’elle accepte d’être altérée par l’usage. Elle ne délègue pas seulement un geste au public. Elle remet en jeu son autorité, son intégrité, sa clôture. Ce faisant, elle rejoint une lignée de pratiques qui, de Lygia Clark aux expérimentations chorégraphiques contemporaines, ont cherché à faire du corps un lieu de connaissance, et non un simple support d’expérience.

La peau comme architecture

À l’étage, la série Skinscapes, créée en 2021, poursuit cette réflexion avec une puissance plus silencieuse. Des costumes sont cousus à l’intérieur de grandes toiles de lin ou de coton naturel. À première vue, ces surfaces peuvent sembler presque neutres. Mais lorsque plusieurs corps les activent simultanément, les vêtements intégrés deviennent des bas-reliefs vivants. La toile se soulève, se tend, respire, révèle ses envers colorés. L’œuvre cesse d’être surface. Elle devient organisme.

La beauté de ces pièces tient à leur ambiguïté. Elles sont à la fois tableaux, costumes, abris, membranes, partitions. Elles évoquent la peinture monochrome, mais la défont par l’intérieur. Elles convoquent l’histoire du vêtement, mais déplacent le vêtement vers l’architecture. Elles produisent des figures collectives sans jamais dissoudre totalement les singularités. Le corps n’y est ni célébré dans une pure expressivité individuelle, ni absorbé dans un collectif indifférencié. Il devient élément porteur. Il soutient l’œuvre autant qu’il est soutenu par elle.

Cette manière de penser la peau comme architecture est l’un des apports les plus subtils de Nefeli Papadimouli. La peau n’est pas frontière close. Elle est zone de contact, surface de traduction, lieu d’exposition au monde. Dans ses œuvres, les corps se prolongent en tissus, les tissus en gestes, les gestes en dessins, les dessins en cartographies. Rien ne demeure isolé. Tout circule, par relais, par frottements, par reprises.

Dessiner ce que la caméra ne saisit pas

Les Cartographies relationnelles donnent à cette circulation une forme graphique. Réalisés sur papier millimétré, ces dessins archivent des performances, des positions, des déplacements, des interactions. Le choix du support est remarquable. Le papier millimétré appartient à l’univers de la mesure, de la précision, de la projection architecturale. Il pourrait sembler contradictoire avec la fluidité des gestes. Mais c’est précisément cette contradiction qui intéresse l’artiste. Comment inscrire le vivant sans le trahir ? Comment noter une performance sans la réduire à un simple document ?

Nefeli Papadimouli formule une distinction essentielle. Filmer une performance capte des faits. La dessiner permettrait d’en capter le sens. Cette phrase éclaire toute son œuvre. L’artiste ne cherche pas seulement à documenter des actions. Elle tente de comprendre les relations qu’elles produisent. Ses cartographies ne sont pas des traces secondaires. Elles sont des outils de pensée, des partitions après coup, des mémoires actives. Elles disent que le commun n’est pas seulement ce qui se vit dans l’instant, mais aussi ce qui peut être transmis, rejoué, réinterprété.

Souffler dans le sifflet

Le samedi 3 octobre 2026, la performance Blowing the Whistle reliera le Grand Café au Radôme. Des habitant·es deviendront performeur·ses. Ils et elles porteront dans la ville des costumes assemblés à partir des formes textiles de Lignes de désir. Le son des sifflets rythmera la marche. Il attirera l’attention, signalera une présence, fera circuler l’alerte.

Le titre joue sur un double sens. Blowing the whistle, c’est souffler dans un sifflet. C’est aussi donner l’alerte, dénoncer, devenir lanceur d’alerte. L’objet est minuscule, mais son pouvoir est immense. Il transforme le souffle en signal. Il rend audible un corps dans l’espace public. Il peut appeler, prévenir, rassembler, protéger. Dans le dossier de l’exposition, l’artiste évoque notamment l’usage de sifflets par des habitant·es de Minneapolis pour résister de manière non violente aux opérations des polices de l’immigration. Ce détail donne à la performance sa gravité. Le souffle n’est pas seulement poétique. Il devient tactique.

À Saint-Nazaire, cette procession sonore prendra une dimension presque topographique. Elle tracera une ligne mouvante entre le centre d’art et la base sous-marine, entre l’espace d’exposition et l’espace urbain, entre le textile et le béton, entre le geste artistique et la mémoire sociale. La ville sera moins le décor de la performance que son véritable médium. Les sifflements, les corps costumés, les déplacements collectifs feront apparaître une cartographie provisoire, fragile, mais politiquement lisible. Une ville peut-elle encore s’entendre elle-même ? Peut-elle se prévenir, se répondre, se défendre, se rêver autrement ?

Au Radôme, l’exposition respire autrement

Le second volet de l’exposition, présenté au Radôme du 23 septembre au 18 octobre 2026, déplacera encore la perception du projet. Le lieu est singulier. Cette structure géodésique, ancien radar de l’OTAN installé autrefois sur l’aéroport de Berlin-Tempelhof, a été offerte à la Ville de Saint-Nazaire en 2005 avant d’être posée sur le toit de la base sous-marine. Ses 298 triangles d’aluminium recouverts d’une membrane translucide composent une architecture légère, presque utopique, au sommet d’un bâtiment massif, lié à l’histoire militaire et industrielle du XXe siècle.

Ce contraste convient parfaitement à Nefeli Papadimouli. Le Radôme est une bulle d’expérimentation posée sur un bloc de mémoire. Un organe de perception sur un socle de guerre. À proximité du Jardin du Tiers-paysage de Gilles Clément, il permettra à l’artiste de prolonger sa réflexion sur les formes non humaines du commun. Car l’exposition ne se limite pas à une politique des corps humains. Elle ouvre aussi vers le végétal, l’animal, le vent, la migration, les espèces opportunes, les forces qui excèdent l’organisation humaine. Penser les communs, ici, revient à sortir d’un humanisme étroit. C’est accepter que le monde ne soit pas seulement notre habitat, mais une communauté d’interdépendances.

Une utopie tenue par ses matières

La grande réussite de Garden of Commons est de ne jamais séparer l’utopie de ses conditions matérielles. L’exposition parle de communs, d’espace partagé, d’auto-organisation, de résistance, de corps collectifs. Mais elle le fait par des coutures, des œillets, des liens, des tissus matelassés, des patrons, des tapis, des dessins précis, des sifflets, des déplacements. La pensée ne flotte pas au-dessus des formes. Elle passe par elles. Elle accepte leur poids, leur souplesse, leur vulnérabilité.

On pourrait dire que Nefeli Papadimouli invente une politique de la douceur armée. Ses œuvres sont accueillantes, mais elles ne sont pas naïves. Elles sont ludiques, mais elles savent ce que le jeu peut contenir de sérieux. Elles sont collectives, mais elles n’effacent pas les tensions du collectif. Elles veulent relier, mais elles savent que toute relation suppose une négociation. Dans un monde saturé d’architectures défensives, de frontières dures, d’espaces privatisés et de gestes surveillés, elles proposent une autre forme de puissance. Non pas la puissance de commander, mais celle de relier. Non pas la puissance de fixer, mais celle de transformer.

Saint-Nazaire donne à cette œuvre une caisse de résonance rare. La ville, avec sa base sous-marine, son port, son histoire ouvrière, ses reconstructions et ses lignes de fuite vers l’estuaire, semble faite pour accueillir une exposition qui pense les espaces communs comme des lieux blessés, mais encore capables d’invention. Garden of Commons n’est pas seulement une exposition sur le textile, la performance ou la participation. C’est une méditation plastique sur ce qui nous tient ensemble lorsque les formes collectives vacillent. Un jardin, peut-être. Mais un jardin traversé de souffles, de coutures, de signaux, de mémoires et de désirs.

Autour de l’exposition

Au Grand Café, des visites commentées sont proposées tous les samedis à 16h, sauf le 13 juin et le 3 octobre. Des ateliers de pratique artistique ont lieu tous les mercredis à 15h, sur réservation. Au Radôme, les visites commentées se déroulent tous les samedis à 15h, sauf le 3 octobre. Une visite-atelier en famille, À vos tuniques !, destinée aux enfants de 6 à 12 ans accompagnés, est programmée samedi 17 octobre à 11h, sur réservation, dans le cadre de Saut-de-mouton, organisé par Le Théâtre, scène nationale.

Informations pratiques

Nefeli Papadimouli, Garden of Commons
Commissariat : Sophie Legrandjacques, directrice du Grand Café – centre d’art contemporain.

Au Grand Café – centre d’art contemporain
Du 13 juin au 4 octobre 2026
2 place des Quatre Z’Horloges, 44600 Saint-Nazaire
Du 13 juin au 3 juillet et du 1er septembre au 4 octobre : du mardi au dimanche de 14h à 19h
Du 4 juillet au 30 août : du mardi au dimanche de 11h à 19h

Au Radôme, toit de la base sous-marine
Du 23 septembre au 18 octobre 2026
Boulevard de la Légion d’Honneur, 44600 Saint-Nazaire
Ouvert les mercredis, vendredis, samedis et dimanches de 14h à 18h

Performance Blowing the Whistle
Samedi 3 octobre 2026, dans l’espace public, entre le Grand Café et le Radôme.

Vernissage
Vendredi 12 juin 2026 à 18h30 au Grand Café.

Entrée libre
Informations : 02 44 73 44 00 – grand_cafe@saintnazaire.fr

Également au Grand Café

Le Grand Café participe par ailleurs au Festival de l’Eau, organisé par Athénor, avec Impression marée montante, lundi 18 mai 2026 à 20h30. Cette traversée sensible entre arts visuels et musique improvisée associe des œuvres du fonds muséal de Saint-Nazaire et des œuvres contemporaines de Blanche Bonnel et Marcel Dinahet, avec Soizic Lebrat au violoncelle et Aïda Aragoneses-Aguado à la harpe triple. L’événement est proposé en partenariat avec Athénor, centre national de création musicale, et la Mission des Patrimoines de la Ville de Saint-Nazaire.

La saison se poursuivra ensuite avec une exposition personnelle d’Hélène Bertin, présentée au Grand Café du 6 novembre 2026 au 31 janvier 2027.

Source

Dossier de presse du Grand Café – centre d’art contemporain, Nefeli Papadimouli, Garden of Commons, 2026. :contentReference[oaicite:0]{index=0}